Un drama vial transforma sus desvíos en experiencias enriquecedoras

La película «Anima», presentada en el festival SXSW en la categoría Narrative Spotlight, no solo explora las complejidades de la conexión humana en un futuro cercano, sino que también teje una narrativa visual donde la moda actúa como un personaje silencioso. A través de una estética que contrasta lo vintage con lo futurista, el filme dirigido por Brian Tetsuro Ivie ofrece un estudio sutil sobre cómo el estilo refleja identidad, memoria y la tensión entre lo analógico y lo digital, temas de plena actualidad en el mundo de la moda contemporánea.

La producción, con diseño de Katie Rose Balun, establece un diálogo entre espacios que definen a sus habitantes. La casa colorida y caótica de Jo, la madre de la protagonista, evoca un bohemio artístico donde la moda se mezcla con la artesanía y lo textil, representando una vida ajena a las tendencias dictadas. En abierto contraste, las oficinas de Anima Technologies, con su geometría fría y líneas minimalistas, simbolizan una moda tecnológica y despersonalizada, donde la identidad se reduce a algoritmos. Esta dualidad se replica en el vestuario de los personajes, donde los tonos terrosos y las texturas orgánicas conviven con siluetas limpias y materiales sintéticos, reflejando el conflicto central entre lo tangible y lo virtual.

El road trip que vertebra la trama, desarrollado en Nueva Inglaterra, se convierte en un escaparate de estilos cotidianos con toques retro. El uso de un Nissan vintage, icono de una era más artesanal, no solo remite a una estética automotriz clásica, sino que sugiere una moda de calidad perdurable frente a la obsolescencia programada. Los escenarios, desde talleres mecánicos hasta moteles kitsch, están poblados de detalles que remiten a décadas pasadas: vinilos, muebles de madera oscura y una paleta de colores apagados que hoy resurgen en pasarelas bajo el prisma del «normcore» y el «retro-futurismo». La mencionada tienda de discos Merle’s Record Rack, con su acumulación caótica de objetos, es un deja vú de las boutiques de segunda mano que inspiran a diseñadores interesados en la revalorización de lo usado.

Sydney Chandler, como Beck, encarna una generación Z que ha heredado la cultura indie de los 90 pero la traslada a un contexto digital. Su estilo, presumiblemente práctico para el viaje pero con elementos de subcultura —quizás sudaderas oversize, calzado cómodo y accesorios de ésos que cuentan una historia—, refleja una moda que busca autenticidad en medio de la hiperconexión. Takehiro Hira, en el papel de Paul, representa una masculinidad clásica donde la ropa de calidad, como abrigos de lana o camisas bien cortadas, denota una riqueza que no necesita de ostentación, un contrapunto a la estética «tech» de la empresa que le persigue. La presencia de figuras como Lili Taylor y Maria Dizzia, conocidas por sus elecciones de vestuario en papeles independientes, refuerza this hincapié en un estilo actor personal y deliberado.

La banda sonora, con referencias a Morphine y Sparklehorse, y la escena clave en un club de música lo-fi, subrayan cómo la moda y la música son inseparables en la construcción de identidad. El momento en que suena «In Spite of Me» transforma la letra en diálogo emocional, un recurso que en moda se traduce en estampados o eslóganes que comunican estados de ánimo. El personaje de Ryan, interpretado por Maximilian Lee Piazza, trabajando en una tienda de pájaros virtuales, añade otra capa: la moda digital y los avatares como nuevas formas de expresión, un fenómeno en auge con los NFTs y el metaverso que ya inquieta a la industria textil.

Aunque la trama gira en torno a una transferencia de conciencia digital, la película argumenta que hay inmortalidades que el dinero no puede comprar, y la moda, como extensión del yo, es una de ellas. Los espectadores españoles, en un país con una fuerte tradición en diseño y una creciente conciencia sobre la moda sostenible, encontrarán eco en este mensaje: la autenticidad estética nace de las experiencias, no de los algoritmos. «Anima» se erige así como un espejo para una industria que a veces pierde de vista que, detrás de cada prenda, hay una historia que viaja en un coche viejo, se escucha en un disco de vinilo o se teje en la casa colorida de una madre que rechaza las nuevas tecnologías.
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